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Creare arte o semplicemente osservarla e goderne la bellezza, non è soltanto un'attività rilassante e stimolante ma anche terapeutica.

Ricerche cliniche hanno dimostrato che i benefici dell'espressione artistica vanno ben oltre l’intrattenimento e il divertimento. Gli studi infatti suggeriscono che l’impiego dell’arte come terapia può essere molto prezioso nel trattamento di problemi come depressione, ansia, dipendenze, disturbi da stress o eventi traumatici. Miglioramento del controllo emotivo e dell’autostima, oltre che del coordinamento e dell’equilibrio del corpo. L’arte è un ottimo modo per esprimere le emozioni senza parole, elaborare sentimenti complessi e trovare sollievo.

Arte terapia nella medicina palliativa.
Il termine “palliativo” deriva dal latino “pallium” che significa “mantello, protezione”. L’utilizzo della medicina palliativa risale agli anni 60, quando in Inghilterra si è iniziato ad usare questo approccio olistico con lo scopo di migliorare la qualità della vita dei malati, attraverso la prevenzione e il sollievo dalla sofferenza, fisica, psicologica e spirituale. La medicina palliativa non è rivolta solo al soggetto malato ma anche alla sua famiglia, o a coloro che si prendono cura del malato.

Secondo l’Art Therapy Association (AATA) l’impiego dell’arte come medicina palliativa serve a "migliorare le funzioni cognitive e sensomotorie, favorire l'autostima e l'autoconsapevolezza, coltivare la resilienza emotiva, promuovere la comprensione, migliorare le abilità sociali, ridurre e risolvere conflitti e angoscia, e promuovere il cambiamento sociale.” Quindi l’arte figurativa come terapia palliativa per migliorare il benessere fisico, mentale ed emotivo.

L'arteterapia nella psicoterapia
L'arteterapia utilizza la produzione artistica per migliorare il rapporto tra terapeuta e paziente, aiutando il paziente a dare una forma simbolica ai suoi pensieri.

Per coloro che desiderano sperimentare gli effetti benefici dell’arteterapia, ci sono tante semplici attività che è possibile fare (anche senza l’aiuto di un terapeuta) come tenere un diario artistico, disegnare, dipingere, creare collage, scolpire con l'argilla, ecc. Non importa quale forma d’arte si sceglie, l’importante è sentirsi a proprio agio con quella specifica tecnica.

L’arteterapia è adatta per chiunque si senta oppresso dal mondo frenetico in cui viviamo. Creare arte dà la possibilità di rallentare, prendersi tempo per sé, e se ce la sentiamo, anche esplorare eventuali problemi che ci affliggono. L'arteterapia migliora la salute mentale delle persone che hanno a che fare con dipendenze, ansia, disturbi dell'attenzione, dolore, lutto, demenza, depressione, disturbi alimentari, malattie fisiche, disturbi da stress post traumatico, traumi, problemi di relazione e molto altro.

Creare arte stimola il rilascio di dopamina.
Gli studi dimostrano che la creazione artistica stimola il rilascio di dopamina. Questa sostanza chimica viene rilasciata quando facciamo qualcosa di piacevole che ci rende felici. Alti livelli di dopamina sono utili per combattere ansia e depressione.

Per sperimentare i benefici dell’arte sull’umore non c'è bisogno di essere un artista di talento. Gli esseri umani hanno una creatività innata, l’unica regola da seguire quando si produce un lavoro artistico è quella di essere se stessi e assecondare le proprie emozioni. Una volta liberata la propria creatività, si risveglierà anche il nostro artista interiore.

I benefici dell’arte e delle installazioni artistiche negli ospedali.
Il volume The Healing Arts spiega come l'ospedale di Chelsea and Westminster di Londra ha utilizzato l'arte visiva e le performance artistiche negli ultimi 25 anni per aiutare a migliorare il benessere delle persone che frequentano l’ospedale inclusi pazienti, visitatori e personale ospedaliero.

Secondo la ricerca effettuata dal CW Hospital collocare l'arte nella struttura sanitaria ha migliorato il benessere dei pazienti, ha ridotto le degenze ospedaliere, ha contribuito ad alleviare gli stati d'ansia, le sindromi depressive e la gestione del dolore.

Questo studio inoltre ha prodotto alcuni dati e statistiche sull'effetto dell’arte nei reparti ospedalieri:

il travaglio per la nascita di un bambino si riduce di circa due ore.

I livelli di cortisolo (ormone responsabile dello stress e dei sintomi depressivi) nei pazienti trattati con chemioterapia diminuiscono di un terzo.

E’ stato somministrato meno anestetico durante gli interventi chirurgici.

Le degenze ospedaliere sono state in media di un giorno più brevi.


La combinazione di interior design e arte per alleviare la vita dei pazienti di cancro.
Il Guy's Hospital di Londra ha commissionato allo studio d’interior design Between Art and Technology (BAT) la creazione di una stanza relax per i malati di cancro che assomiglia ad un'installazione d’arte multimediale. La stanza, completa di paesaggi sonori e di mobili naturali, aiuta il visitatore ad immergersi in una dimensione sonora di un paese a sua scelta, gli audio infatti utilizzano una tecnologia che si collega alle informazioni meteorologiche mondiali in tempo reale.

Questa installazione ha lo scopo di migliorare il benessere mentale dei pazienti e dei loro familiari, aiutandoli a sfuggire mentalmente dall'ambiente asettico ospedaliero attraverso l’uso dell’ immaginazione.

Il punto di vista delle istituzioni.
L’ Organizzazione mondiale della sanità, non ha dubbi; le prove scientifiche dimostrano che le arti possono essere utilizzate come mezzo per promuovere la salute, prevenire le malattie, e trattare la gestione di numerose patologie.

Alla luce di queste scoperte, un numero crescente di governi europei sta introducendo politiche per sostenere e incoraggiare l'uso della cultura come medicina. in Svizzera per esempio, la Città di Lugano nel 2020 ha lanciato il progetto cultura e salute in collaborazione con la Fondazione IBSA per l’impiego delle arti visive e performative nei luoghi di cura, volte ad accrescere il benessere dei pazienti, e ad alleviare la sofferenza emotiva di chi si trova in una situazione di difficoltà.

MASI Lugano, Museo d’arte della Svizzera italiana collabora con IBSA Foundation per promuovere la cultura scientifica all’interno di un percorso di ricerca internazionale su Scienza e Arte.

L’esperienza personale di Raffaella Soffiantini.
Raffaella Soffiantini si avvicinò al mondo dell’arte durante un ricovero ospedaliero. La struttura sanitaria presso la quale era ricoverata la incoraggiò ad utilizzare le arti figurative come metodo per alleviare i dolori e per trovare un po' di serenità dopo l’intervento chirurgico.

Il complesso lavoro che ha portato Raffaella a creare la scultura Autoritratto è stato un percorso individuale ed intimo, che l'ha smossa talmente tanto a livello interiore da diventare una vera e propria esperienza introspettiva.

“Dipingere mi aiuta a contenere l’ansia, a respirare in modo più profondo e in generale ad abbassare lo stato di tensione a livello muscolare. Sono felice di aver scoperto questo mondo artistico, che oltre a farmi bene in termini di salute mi piace molto e mi dà grandi soddisfazioni.” R.S.

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Quando eri giovane, quali erano le passioni, gli interessi o gli eventi che hanno contribuito a plasmare la tua personalità?
Il mondo della ginnastica ritmica ha svolto un ruolo fondamentale nella mia vita. La combinazione di movimento, musica, coreografie e l'utilizzo di piccoli attrezzi crea una forma d'arte straordinaria che ho praticato con passione per oltre un decennio. Nei momenti di tempo libero, ricordo che dedicavo ore a creare forme; “pasticciavo” con vari materiali come fogli, carta e colori, sperimentavo con acquerelli, pastelli e utilizzavo qualsiasi mezzo per esprimere la mia creatività.

La ginnastica ritmica ha svolto un ruolo fondamentale per Raffaella Soffiantini

C'è stato un momento o un episodio specifico nella tua vita che hai identificato come il catalizzatore per la tua svolta artistica? Un momento “Eureka” che ti ha cambiato la vita?
Il momento in cui ho riscoperto la passione per il disegno e la pittura è stato durante un corso di Arte terapia in ospedale per una lunga riabilitazione. È stato come se si fosse aperto un portale verso un nuovo mondo creativo. Ho avuto questo momento d’illuminazione nel 2017, e da allora non ho mai smesso di dipingere. Anche il passaggio dalla carta alla tela è stato molto rapido, tanto che oggi la pittura è una parte essenziale della mia vita, parallelamente al disegno, alla ceramica e alla scultura.

Quali sono le principali fonti di ispirazione per le tue opere artistiche?
Mi lascio trasportare dall'istinto e dalle emozioni del momento. Non ho un'idea chiara del risultato finale quando inizio un'opera; piuttosto, seguo il flusso creativo e mi immergo nella ricerca dell'armonia, sia nelle forme che nei colori. Il mio processo è molto dinamico, in quanto dipingo principalmente in piedi e mi sposto spesso. Questo mi fa sentire come se stessi danzando mentre lavoro, poiché c'è una sorta di musica interna che mi guida lungo il percorso creativo.

Puoi descrivere il tuo processo creativo, dall'idea iniziale all'opera finita?
Le principali fonti d'ispirazione le trovo dentro di me. Soprattutto durante momenti di meditazione e relax, mi immergo nei miei pensieri, cercando di ascoltare il mio corpo e le emozioni del momento. Da questa introspezione, emergono colori e forme che riesco a trasferire sulla tela. Seguo il flusso creativo senza preconcetti, accogliendo ciò che arriva spontaneamente.
Inoltre, prendo ampiamente spunto dalla natura. Negli anni ho imparato ad osservare la natura con maggiore attenzione, la bellezza e l'armonia che trovo in essa spesso si riflette nei miei lavori artistici.
In misura minore, traggo ispirazione anche dalle esperienze altrui, o da eventi che mi colpiscono; questo tipo d’ispirazione creativa riguarda principalmente il disegno.

Quali sono le principali fonti di ispirazione per le tue opere artistiche?
Da quando ho iniziato a fare scultura, ho sviluppato un apprezzamento per la tridimensionalità che ha influito notevolmente sulla mia pittura. Nei miei dipinti, sento la necessità di conferire una certa consistenza, quasi una forma tridimensionale. Per raggiungere questo obiettivo aggiungo “materia” alla pittura, come paste modellanti o gesso acrilico, a seconda del risultato che desidero ottenere. Spesso, alla mia pittura aggiungo anche oggetti simbolici come chiavi, porte, aperture e portali, poiché evocano concetti di nuovi mondi e passaggi. Ho dedicato tutto il 2023 alla combinazione tra pittura e tessuti, partendo da stoffe bianche che ho modellato e infine colorato.

Qual è il messaggio o il tema principale che cerchi di comunicare attraverso il lavoro?
Il messaggio più importante è che non dobbiamo mai arrenderci di fronte alle difficoltà, possiamo sempre trovare dentro di noi la forza per ricominciare. Quindi un messaggio positivo.

Oltre a questo messaggio centrale, vi sono numerosi altri temi che emergono nei miei lavori, in particolare riguardo alla salute e al benessere. I titoli dei miei quadri riflettono il mio percorso di crescita personale, i vari passaggi che ho compiuto nell'avvicinarmi al mondo olistico, alla medicina alternativa e alla ricerca di una maggiore spiritualità. Questo è un processo in continua evoluzione che richiede anni di impegno, e che si riflette nella mia vita e nella mia arte.

Hai mai affrontato blocchi creativi? Se si, come li superi?
Ho avuto qualche piccolo blocco creativo. Comunque, quando non dipingo vivo serenamente aspettando che le condizioni favorevoli per la mia creatività ritornino.
Ci puoi dire qual è secondo te, la tua opera più significativa o iconica? Che storia c'è dietro di essa?
Una delle opere più significative che ho realizzato è stata esposta a Lugano nel settembre 2019 e successivamente acquistata da un mio conoscente. Quest'opera presentava una chiave come elemento peculiare, posizionata su uno sfondo rosso e multicolore, rendendo il dipinto molto particolare. Quando l'acquirente mi ha chiesto il significato dell'opera e il messaggio che volevo trasmettere, ho spiegato: 'Il quadro ricorda a chi lo osserva la necessità di tenere molte porte aperte e avere la chiave giusta al momento giusto per aprire almeno una di queste porte'. Ricorderò sempre quando, qualche mese dopo aver venduto il quadro, il compratore mi ha detto: 'Grazie Raffaella, non so come ringraziarti. Quel dipinto ha cambiato la mia vita e mi ha permesso di realizzare il mio sogno, cambiando lavoro’.


Ti sei mai stupita o meravigliata delle reazioni che il tuo pubblico ha quando ammira un tuo lavoro?
Adoro osservare le persone che si avvicinano per la prima volta ai miei lavori. Trovo particolarmente gratificante quando noto qualcuno che si ferma, prende il suo tempo, preferibilmente in silenzio, e resta lì per un po'. Molte volte posso percepire una connessione speciale che si instaura tra il quadro e l'osservatore attento.


Come vedi il tuo ruolo nell'ambito del panorama artistico attuale? e quali sono le sfide che affronti come artista?
Mi piace considerarmi un’artista emergente e spero di continuare su questa strada. Riguardo ai miei obiettivi, come ogni artista, sarebbe un grande onore per me esporre un giorno in qualche Biennale, come quella di Venezia per esempio, oppure vincere un concorso artistico prestigioso.

Qual è stato il momento più memorabile nella tua carriera artistica finora?
Penso che debba ancora arrivare.

Ci sono delle tendenze artistiche contemporanee che ti affascinano o che ritieni particolarmente interessanti?
Ho un’insaziabile sete di conoscenza, quindi tutto mi incuriosisce. Sono affascinata sia dai movimenti artistici passati che da quelli attuali, osservo tutto e prendo spunto da tutto. Le mie fonti d'ispirazione spesso scaturiscono dai colori che vedo, dall'architettura delle città, dalla fotografia e da molte altre fonti. Non esistono limiti alla mia creatività.

Quali sono i progetti futuri su cui stai lavorando o che sogni di realizzare?
Uno dei progetti più significativi che sto attualmente portando avanti è la trasposizione dei miei disegni (realizzati su carta con una tecnica che ho sviluppato personalmente) su tela, preferibilmente di grandi dimensioni. Ho già avviato questo progetto su una tela di un metro per dieci metri. Questo progetto richiederà un impegno considerevole di tempo.
Inoltre, sto lavorando ad un secondo progetto che prevede di combinare i miei disegni con la ceramica, trasformando così il disegno in un oggetto d'arte tridimensionale.

Che consigli daresti ai giovani artisti che desiderano intraprendere una carriera nell'arte?
Prima di tutto, è fondamentale iniziare senza farsi influenzare dalle opinioni altrui e senza dare troppo peso a ciò che gli altri dicono. Se si ha una passione, qualsiasi essa sia, dedicare tempo e impegno a essa è essenziale, senza mai arrendersi. È importante procedere con pazienza, facendo piccoli passi verso il raggiungimento degli obiettivi, affrontando la salita con determinazione e serenità.
Il catalogo completo delle opere di Raffaella Soffiantini è disponibile a questo link.

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Sei a corto di idee su come disporre le tue opere d'arte preferite? Ecco alcuni suggerimenti per creare gallerie, arrangiamenti simmetrici e display creativi. La nostra carrellata ha una soluzione per ogni spazio della tua casa.

01. Valorizza il vano delle scale
Le scale sono un luogo espositivo spesso dimenticato ma ricco di opportunità. Un ottimo modo per sfruttare lo spazio è scaglionare più dipinti su una pendenza regolare, in questo modo si potrà godere di una carrellata artistica mentre si salgono le scale. Per ravvivare il display consigliamo di aggiungere anche altri elementi come piante pendenti, ceramiche, oggetti artigianali o etnici, questi ornamenti aiutano a ravvivare l’esposizione.

Quadri di grandi dimensioni sono ottimi per elevare lo status dell’atrio di case e appartamenti.

02. Esposizione a griglia
Classico metodo utilizzato spesso anche dai musei e’ l’esposizione a griglia. Per creare la simmetria si possono utilizzare dipinti con la stessa dimensione o forma, oppure abbinando opere con rappresentazioni o tecniche simili. Disporre una collezione d'arte a griglia stretta crea la sensazione visiva di un'opera unica. Questa idea è perfetta per riempire spazi ampi come il muro dietro al divano o al letto, in un ingresso o di fianco alle tende.

03. Galleria con dipinti circolari
I dipinti circolari sono apparsi per la prima volta nell'antica Grecia e continuano ad avere il loro spazio rilevante nell’arte contemporanea. Il cerchio simboleggia l'unità o la perfezione. Il quadro circolare puo’ essere abbinato a ceramiche o oggetti in raffia circolari per creare un'esposizione originale.

04. Cornici appoggiate alle mensole
Rendi la libreria più interessante alternando oggetti, libri, piante, quadri e stampe. Scegli quadri o stampe di dimensioni piccole e leggeri, questo look casual è facile da aggiornare in qualsiasi momento.

05. Esposizione con quadri di dimensioni assortite
E’ possibile creare un disply armonioso con quadri di diversa foggia e dimensione, l’importante è scegliere dipinti in colori coordinati, ed arredare il resto della stanza con tappeti e tende bianchi per dare risalto alla parete. Questo insieme dara’ la sensazione di opere che sono state collazionate nel tempo

06. Disposizione asimmetrica
Dimentica le regole dell’allineamento perfetto e crea un display innovativo. Invece di essere perfettamente allineata sulla parete, questa disposizione scentrata e asimmetrica crea un ambiente accogliente e amichevole.

07. Installazioni dal pavimento al soffitto
Anche in questo caso invitiamo a pensare fuori dagli schemi, chi l’ha detto che i quadri devono sempre essere appesi a livello degli occhi? Considera tutta la parete quando appendi i quadri, dallo zoccolo del muro fino al soffitto.

08. Ogni spazio della casa è buono
Sei tentato di ignorare un piccolo pezzo di muro, come quello sopra una sedia? le opere d'arte di dimensioni corrette possono essere un'ottima aggiunta ad un angolo anonimo della casa. I quadri abbinati ad una sedia, una panca o un tavolino rendono l’ambiente molto raffinato.

09. I quadri appoggiati
I quadri appoggiati alle pareti, sopra comò o armadietti possono evocare un'atmosfera rilassata ma comunque elegante. Questa è un'ottima opzione per chi è incline a frequenti ristrutturazioni o è regolarmente in movimento. I dipinti possono essere facilmente spostati in ogni momento. Un quadro lasciato lì quasi per caso da carattere all’ambiente.

10. Il pezzo unico
A volte quando si espone un opere d'arte less is more. Crea un look esclusivo con un unico pezzo appeso sotto una luce per quadri a basso wattaggio. Questo attira gli spettatori e mette in mostra una foto o un dipinto amato.

11. Alza l’esposizione in verticale
Gioca con la forma della superficie del muro. Su una parete stretta, ad esempio, appendi le opere d’arte in verticale seguendo il telaio di una porta.

12. Quadri piccoli
Dai sfogo alla tua creatività, anche i quadri di piccole dimensioni possono dare dei risultati sorprendenti.

13. Il quadro coordinato
Un metodo classico per arredare la stanza è quello di coordinare la paletta dei colori del quadro con quella dell'arredamento o viceversa.

14. Elimina la cornice
Rinunciare alle cornici è più economico e rende l’apera più personale. Mostrare i dipinti al naturale, dona personalità e dà un tocco d’eleganza improvvisata alla stanza.

Raffaella Soffiantini utilizza una tela di alta qualità e spessore, l'opera d’arte avvolge il telaio che pertanto non richiede la cornice. L’opera e’ completa anche se vista lateralmente, l'acquirente quindi compra un prodotto finito già pronto per essere appeso.

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Sia l’arte che la musica hanno coesistito lungo tutta la storia, influenzandosi e ispirandosi reciprocamente. Entrambe hanno la capacità di comunicare con l'anima delle persone, superano le barriere linguistiche e culturali, solleticano le emozioni più profonde e usano un linguaggio universale che può essere compreso da chiunque, senza bisogno di spiegazioni.

Molti pittori sono stati ispirati dalla musica nel corso della storia. Ecco un elenco di alcuni artisti moderni e contemporanei che hanno trovato ispirazione dalle composizioni musicali.

Wassily Kandinsky (1866 - 1944)
Kandinsky è spesso considerato uno dei pionieri dell'arte astratta e credeva che il colore e la forma potessero evocare emozioni simili alla musica. Ha creato molte opere d'arte ispirate a composizioni musicali. Mentre assisteva una rappresentazione dell'opera di Wagner "Lohengrin" Kandinsky ha dichiarato: "Ho visto tutti i miei colori nello spirito, davanti ai miei occhi. Davanti a me si delineavano linee selvagge, quasi folli”

Marc Chagall (1887 - 1985)
L'opera di Chagall spesso presenta scene oniriche e fantastiche piene di figure fluttuanti e animali. Un elemento ricorrente nell'arte di Chagall sono gli strumenti a corda; il violino per esempio evoca l'era gioiosa della sua infanzia trascorsa a Vitebsk, in Russia (ora Bielorussia), che all'epoca era prevalentemente ebraica. La musica del violino era sempre presente nelle feste e nella vita quotidiana degli abitanti del paese.

Vincent van Gogh (1853 - 1890)
Van Gogh aveva una forte connessione con la musica, infatti l’artista aveva anche preso lezioni di pianoforte a Eindhoven in Olanda, suo paese d’origine. Per comprendere meglio la gradazione dei toni, Van Gogh paragona la pittura alla musica, confrontava le note del pianoforte con il blu di Prussia e il verde scuro o l'ocra scuro con il cadmio brillante. In una lettera a suo fratello Theo scrisse: “Sono di nuovo come ero a Nuenen, quando ho fatto un vano tentativo di imparare la musica - già allora - ho sentito così forte la connessione tra il nostro colore e la musica di Wagner”

Jackson Pollock (1912 - 1956)
Le opere di Pollock, con le loro pitture a schizzo, sono spesso paragonate all'energia e alla spontaneità della musica jazz. Spesso ascoltava il jazz mentre lavorava sulla sua arte. Sebbene Pollock non fosse certo un tradizionalista nella sua arte, il suo gusto per il jazz era per i classici pionieri di New Orleans, le band swing e Billie Holiday.

Piet Mondrian (1972 - 1944)
Le opere geometriche astratte di questo artista olandese, con i loro colori primari e linee rette, sono spesso paragonate alla struttura e all'armonia della musica. Mondrian rimase affascinato dalla musica boogie-woogie il giorno in cui arrivò a New York nel 1940. Secondo lui il boogie-woogie distruggeva la melodia centrale della melodia come lui distruggeva l'apparenza naturale.

Georgia O'Keeffe (1887 - 1986)
Intorno al 1920 la pittrice americana Georgia O'Keeffe dipinse una serie di oli esplorando "l'idea che la musica potesse essere tradotta in qualcosa per l'occhio". In Blue and Green Music, i colori e le forme di O'Keeffe suggeriscono contemporaneamente il mondo naturale ed evocano l'esperienza del suono.

Paul Klee (1879 - 1940)
Klee era noto per la sua arte fantasiosa e immaginativa, spesso ispirata dalla musica e dall'idea di visualizzare il suono. Paul Klee si ispirò alla musica per tutta la sua vita: fu un abile violinista, un entusiasta amante dell'opera e dei concerti e un aspro critico musicale. Per molto tempo fu indeciso se diventare pittore o musicista.

Salvador Dalí (1904 - 1989)
Dalí è stato influenzato da una vasta gamma di forme d'arte, compresa la musica. Spesso incorporava strumenti musicali e simboli nelle sue opere surrealiste. Dalì non ritrae mai gli strumenti musicali nella loro forma naturale, sono sempre distorti in modo da esprimere disperazione o malinconia.

Grace Slick (1939)
Ex cantante dei Jefferson Airplane, l'artista americana Grace Slick, si è dedicata alla pittura dopo la sua carriera musicale. Le sue opere esplorano spesso temi legati alla musica, alla cultura pop e alle sue esperienze personali.

Peter Max (1973)
Artista americano di origine ebraico-tedesca che si ispirate alla cultura degli anni '60, in particolare all'arte psichedelica e alla pop art. Per l'artista il colore è associato al suono. Afferma di "sentire" i colori e "vedere" la musica. Max esprime direttamente il suo amore per la musica (in particolare il jazz) attraverso i suoi dipinti.

Chris Levine (1960)
Artista inglese noto per la sua collaborazione con artisti musicali come Massive Attack e Grace Jones, Levine esplora la relazione tra suono e luce. Utilizzando tecnologie innovative, crea installazioni interattive che traducono la musica in esperienze visive straordinarie. Levine è anche famoso per aver creato i ritratti della Regina Elisabetta II “Lightness of Being” e “Equanimity”.

Raffaella Soffiantini
Oltre ad essere una pittrice e scultrice, Raffaella Soffiantini è anche una disegnatrice. L’artista, dopo un evento traumatico, si è riaperta alla vita sentendo l’urgenza di creare disegni che sembrano sogni ad occhi aperti con accenti 'musicali'. Il dinamismo dei suoi lavori si rifà alle improvvisazioni jazz di ascendenza afroamericana dei bar di New Orleans (come il brano "Body and Soul," ad esempio), allo stile bebop di Charlie Parker e al più pacato Cool Jazz di Shorty Rogers.

"Adoro ascoltare il sassofono perché mi regala vibrazioni intense. Quando disegno, cerco di ricreare le vibrazioni musicali nei colori con l'intento di creare armonia e bellezza interiori, più che a livello visivo" Raffaella Soffiantini.